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初學聆聽聲響藝術 — 都普勒浪潮專訪 無限浪潮之洶湧 (3/5)

我對於音樂的品味並沒有很高,對於現場表演也一直都是抱持著戒慎恐懼的狀態,深怕在表演之中得到不清楚模糊的答案與狀態,而錯失了一些東西,但這次的表演卻讓我有了些新的觀點,我著實訝異,聲響藝術並沒有自己想得難以接觸,而是因為自己的過度防衛才使得距離拉得極遠。貼近之後,音樂會進入你的腦中,在你的腦中深植一些東西。

「都普勒浪潮是配樂師/製作人許家維的電子化身,不用本名的原因是因為想要做不受工作限制的嘗試。都普勒浪潮對我而言,代表電子科技以及古典聲響的結合、人造以及自然的調和。我本身就是一個矛盾又怪異的人,小學時很喜歡System of a Down,高中喜歡拉赫曼尼諾夫,大學喜歡皮亞佐拉和後搖滾,到了研究所開始聽電子音樂,一路都跟搖滾無緣,⋯⋯對我來說開始都普勒浪潮,其實是一趟自我追尋,一個沒有明確終點與成敗的旅程,只是想在這一波波無邊無際的浪潮裏,盡情探索聲音的無限可能性。」

許家維反應很快,問的問題都在眨眼間構思好了回應,迅速地回覆我,並等待我的下一個問題。而他在對於探索音樂的無限可能性之中,讓我感覺到了莫名的親切感。即使物件相同,但仍會因為思想的差異而在感受上有所差別,以下的訪談,分成「實驗與商業」、「現場表演」、「設備與聲響」。
關於實驗與商業
和平:你覺得實驗的定義或者界限在哪裡?
都:實驗音樂與商業音樂的差別,實驗音樂會有一種拓展性、不安全的領域、新的敘述方式。對我而言,實驗一定要有失敗的可能,如果不會失敗,(和平:那就像是在一個圈圈內的表演)對。
都:實驗音樂是要有失敗機率的行動。
和平:即興不能算是實驗?
都:即興是最基礎的實驗。
和平:所以即興你是依照直覺嗎?或者是一種非常快的思考?
都:直覺就是對於器材的熟悉度所做出的動作,所以我覺得事前準備非常重要,像是你對於合成器的了解,你就可以知道接下來要怎麼做。

和平:介紹時,你如何稱呼自己?你為什麼會覺得自己的表演不夠實驗?
都:電子音樂人,本身的職業是配樂師。
和平:為什麼會覺得自己的音樂不夠實驗?
都:我沒有太多嘗試的慾望,很多的時候不是在嘗試一些不一樣東西,而是在講情緒
和平:那你剛才聽kd的表演,你覺得如何?
都:他的技術上蠻酷的,質感一直有在改變,但幾乎沒有什麼鍵盤樂器,用鼓來做不一樣的應用,這點是蠻有趣的 。

和平:該如何與電音分開,而不是一起的?對於現場表演的定義,能否讓觀眾感知到一些什麼?
都:我覺得表演跟做專輯是不一樣的,時間性不一樣,表演是即時,爛掉就爛掉,這可能也就是實驗性的一部份。你要有一部份的risk,你有可能會按錯鍵,是即興的,像是表演時有聖歌的地方,是滑鼠在控制,會隨著現場狀況而改變,可能會很爆,但那就是現場好玩的地方。這是一個完整的體驗,跟觀眾的互動,隨著感受不同而改變的不一樣的set,原先預定是三分鐘,但後來演出十分鐘,我會希望這是有機的,是會隨著環境而改變。
現場表演
和平:好的現場表演包括什麼?你如何掌握自己的現場表演?
都:與事前準備有重大的關係。素材都是準備好的,所以我對於素材是相當熟悉的。現場的改變 、或者要怎麼調變,對於它(素材)基本的特質是知道的 但是它的特質會因為現場的環境的不一樣,而做出改變(補充,素材:聖歌、不一樣的聖歌、不一樣的合成機的音色、不一樣的節奏。)
和平:那你會做出與原先預想差很多的表演嗎?因為觀眾的現場氣氛而改變?
都:會。
和平:所以你會依照現場狀況。
都:像剛才表演有些部分我延長非常多,但有些很快就過去了,跟場地當下的情緒有關,以大家為一個經驗,而不是誰為主。

和平:你覺得自己的演出要視覺嗎?
有時候會跟人合作,有時候沒有,但我比較習慣把燈關到最暗,失去視覺,用聽覺來體驗。但其實表演現場有很多的事情也在同時進行,嗅覺或觸覺,如:酒、人在走路⋯⋯等等,那也會是整體的經驗之一。視覺只是說,怎麼去加強整體體驗而已。在那個經驗上是不變的。

和平:你覺得現場表演跟在家裡播的音樂有什麼差別?現場的比重又是如何?隨機性與構思的百分比又是多少?
都:現場多了與觀眾、場域的互動性,家裡聽就是很限制的區域。現場表演穩定性的比例在於30-50%,我覺得自己的實驗性比較沒有那麼高。
和平:會不會是因為過去長期的鋼琴訓練,所以對於穩定性的要求比較高?
都:應該說,在我的音樂中,聆聽性與結構在我的認知中覺得比較重要,我會確保它(音樂)的結構是存在的。
 NONAGON 九邊形 專輯首演  PIPE Live Music
圖片提供:都普勒浪潮 Waves of Doppler
和平:觀眾的多寡會影響你表演的心情嗎?
都:不會。
和平:表演的時候就會投入到自己的演出之中。
都:對。應該說跟觀眾的互動也是重要,但多寡不是問題。

和平:你會特別鍛鍊自己的身體應付現場表演嗎?
都:鋼琴獨奏還是比較累,因為你還得記譜、動腳。

和平:藝術與商業間怎麼做取捨?表演時灌輸的情感是存在的嗎?
都:本身是配樂師,商業方面以職業為主,都普樂浪潮基本上沒有商業,耕耘於電子音樂之中。
都:情感基本上都是真的,曲子能夠聽出來是誠實的。因為我做的東西是techno舞曲,我受古典教育很長一段時間, 裡面可能就會有很多結構性上的不同,情緒會比較複雜,就不一定是喜怒哀樂。像前面的聖歌,其實是死亡的音色,第一首歌是想要講關於宗教還有死亡還有恐懼之間的關係。
和平:我們聽音樂的時候很多時候是沒有文字的,那其實會是非常主觀的。
都:對但我覺得,聆聽本來就是非常主觀的經驗。
和平:所以你覺得,觀眾在聆聽時想像出別的想法,是完全沒有問題的?
都:完全沒有,應該說我要表達的已經講了,你怎麼解讀/接受是你家的事,這本來就是一種文本的解讀,這是正常的,也不會因為別人解讀錯誤而感到任何的情緒,這只是一個正常的過程。

和平:在表演之前都會先構思好可能一段時間或這一年所想要表演的了?
都:因為live set比較少換歌曲,所以一季(四個月)的主題都是類似的,可能內容會一樣,但表演的形式就會差很多。像今天某個地方拉很長,有些地方很短,是有機的。我目前的set裡面有很多符號,比如說死亡的旋律,因為那是很古典的東西,像是魔戒也有用,半獸人在攻城的時候,那其實是一個符號,符號有沒有被接受到,但其實是可以被感受到的,如果是怎麼解讀,那就是眾聲喧嘩(個人解讀)
Pisitakun [Black Country] Experimental Music Tour 實驗專場巡迴-台北場 Revolver
圖片提供:和平製品 Paixpro
設備與聲響
和平:你最擅長或者喜好的聲響是什麼?
都:最習慣的是古典聲響,這應該是我跟與其他的電子音樂人不同的地方。學鋼琴十六年,我有再多研究一些對於管弦樂的總譜,今天表演可能沒有,但我對於古典/管弦樂的掌握很好。
另外之外,我很喜歡的是低限主義的音樂(Minimal,用最少的聲響來做),如:Byetone Plastic Star。不停重複然後慢慢產生變化
古典的話,俄羅斯國民樂派:拉赫曼尼諾夫(綿延不會斷掉),如:鋼琴協奏曲、聲樂練習曲、鋼琴協奏曲二號。

和平:你平常聽的音樂是什麼呢?有哪些音樂是你所熱衷的?
都:最喜歡的還是古典
再來是Techno、環境音樂、低限主義音樂。(這四個)
但以職業上來說,還是會聽流行樂,只是職業上的必要,但不會是創作上的啟發。
Byetone - Plastic Star - 2008
拉赫曼尼諾夫(Sergei Rachmaninov, 1873~1943) - Vocalise
和平:你表演所用的設備與器具是什麼?你可以簡單介紹一下嗎?
都:今天的現場算是比較簡單的配置
電腦有個控制器,觸發在電腦做好的聲音片段。
送出訊號、控制其它的樂器,控制「moog sub 37」類比合成器。 (只會給他最基本的音高是多少,剩下現場決定如波形、音色長短高低、質感質地、現場決定。)
還有一個用於處理聲音在空間的感覺,可以match現場的空間。
像今天有用一個 Game of life newskool (生態自動繁殖),像生態聚落,哪裡有一塊聲音它會自己慢慢成長。我會希望讓它(show)盡量有機

和平:鋼琴是一個比較沒有科技性的東西,你是如何從古典音樂到電子樂呢?
都:可能我本來就是阿宅,但我從小學就喜歡寫程式。
和平:也不會想說為何從鋼琴到電子樂之間會有這樣的改變?
都:不會。可能一路上就很怪,就沒有想這麼多。比較特別,也沒有不好
 NONAGON 九邊形 專輯首演 PIPE Live Music
圖片提供:都普勒浪潮 Waves of Doppler
現場表演是在一段時間之內,加上與觀眾、空間、個人狀態⋯⋯多種狀態所媒合出來,充滿生命力的狀態。每一場現場表演都是唯一的被限定的,因為每一次的場地不同與表演者自身的狀態,都會導致各種「特別」的狀況產生。這是靜態的展覽所沒有的,所缺失的那一塊獨特的魅力,現場表演更像是氛圍的製造者,包括連表演者也會進入氛圍之中,一同享樂。聽都普勒浪潮的表演,與我想像中的聲響藝術有一段差距,輕鬆、搖擺、放鬆自身的狀態,或許我們無法從他的「樂曲」「節奏」之中得到領導,卻能夠在他的音樂之中得到自己的想法。這也是為什麼現場表演擁有如此眾多的觀眾與live所存在的原因。

那就像是在海邊衝浪,都普勒就是那一陣又一陣充滿力量與激情的高大浪潮。




撰寫:和平製品 paixpro
圖片提供:google / 都普勒浪潮 / 和平製品
新聞稿提供:都普勒浪潮

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